ROAD NORTH WON THE AUDIENCE CHOICE AWARD AT THE FIRST SAINT-PETERSBURG INERNATIONAL FILM FESTIVAL ON SEPTEMBER 30

Link: People’s Choice Award at SPIFF 2012

VARIETY REVIEWS ’ROAD NORTH’

…The views of the vast and beautiful Finnish countryside, the music choices and the casting of two of the country’s most beloved performers all show Kaurismaki celebrating his patrimony even as he gently satirizes male relationships. The overall tone is sweeter than usual for the helmer/co-writer, without being overly sentimental. Central performances are broad but engaging. Sharp production package is appropriately colorful. (read the whole article

TORONTO FILM SCENE REVIEWS ’ROAD NORTH’

…What begins as a dubious film about a man trying to reconnect with his son becomes a beautiful family story that is unpredictable in the same way life is.

Despite being a twist on the old “Prodigal Son” story, Road North falls into none of the usual “found parent/sibling/child” movies, instead preferring to focus its energy on storytelling and character building… (read the whole article)

EYE FOR FILM reviews "Mama Africa"

”Miriam Makeba, otherwise known as Mama Africa, finally has her truly amazing life story told on the big screen in this genuinely inspiring documentary from Finnish filmmaker Mika Kaurismaki. Piecing together archive footage of her inimitably charismatic live performances and interviews with friends and family, this film manages to do justice to Makeba’s wonderful talent and noble activism…” (read the whole article)

The House of Branching Love

By John Anderson (original article in Variety)

A hilarious and harrowing exercise in marriage prevention, Mika Kaurismaki's "The House of Branching Love" has been described as a Finnish "War of the Roses," but that's selling it short. Divorce may be at the comedy's chewy center, but there's a catalog's worth of unlikely characters, odd coincidences, venomous exchanges and lustful antics galloping through what is probably Kaurismaki's most polished production -- a departure from the dry, droll, low-tech fare for which he's better known. Stateside distribution will be tough, but adult themes and ribald humor could sell it, as could thesp Anna Easteden, a highly exportable Finnish resource.

Pic has performed well in Finland, where it opened at the top of the box office on Aug. 21 and has since drawn more than 50,000 admissions.

When a Helsinki hooker falls out a window, it sets off a chain of events that don't immediately seem to have any connection to marriage therapist and balding butterball Juhani (Hannu-Pekka Bjorkman) or his wife Tuula (Elina Knihtila), both of whom think they're going to inhabit the same house while going through their civilized divorce. Nothing could be further, etc. Egged on by his preening friend, the aptly named Pekka (Tommi Eronen), the newly free Juhani picks up a woman at a bar and brings her home, setting off Tuula like a Roman candle and letting us know that nothing particularly civilized is going to be happening within the Tuula/Juhani household.

To say that this movie is complicated is an understatement; by comparison, "The Big Sleep" was a coloring book. Tuula's mother, Yrsa (Kati Outinen) is queen bee of a prostitution ring for which Juhani's stepbrother, Wolffi (Antti Reini), works; when that hooker falls out the window, her colleague Nina (Easteden) takes off with a pile of cash intended for Yrsa, who wants it back. When Juhani decides to hire a woman to play his girlfriend after Tuula takes up with a good-looking pilot (Ilkka Villi), Wolffi presents Juhani with Nina -- who actually falls in love with the big goof, which should give hope to fat men everywhere.

The increasingly prolific Kaurismaki has made a kitchen-sink comedy, Finnish style, in which one of the real gems is veteran actress Outinen, the star of so many movies made by Kaurismaki's brother Aki. These include "Drifting Clouds," in which Outinen played opposite Kari Vaananen, who plays her ex husband here (shout-outs to Aki may include the character Juhani; it was Juhani Aho who wrote the novel "Juha," the basis for the Finnish silent classic remade by Aki in 1999). Outinen, mistress of the impassive countenance masking the smoldering soul, is hilarious without even trying.

"The House of Branching Love" (many branches, not much love) is a rare thing, a domestic comedy/underworld thriller in which there's no end of people following other people: Two blond cops on the trail of Wolffi, and then Juhani, turn out to be a couple who lost a child and came to Juhani for counseling. A related plot bombshell strikes the one off-key note in what is otherwise a broad, loud, comically vulgar but mostly cohesive movie that may be creating its own genre. One question: Was there supposed to be an ad for the Finnish lottery at the beginning of the print?

Production values are first-rate.

Three Wise Men

By Erene Stergiopoulos (original article in Exclaim!)

Ever wondered what would happen if you put three Finnish guys in a karaoke bar on Christmas Eve? Well, look no further, because Mika Kaurismäki’s Three Wise Men is just that. But don’t be fooled by the droll exterior — this film is serious stuff.

Three Wise Men is the story of a trio of middle-aged men who all come together by chance on Christmas Eve. They’re old friends but haven’t seen one another for years. Matti the cop has just become a father, although his wife admits the child is not his. The baby girl’s father is actually Erkki, a ladies man and photographer dying of incurable cancer. What’s more, film actor Rauno has just returned from Paris to find his ex-wife has just died and his estranged son has turned against him.

The entire film was shot over a week and the three main actors had a lot to do with writing the script, which explains the extremely well developed characters and earnest approach to each of their personal crises. As the night goes on and more booze is downed, the conversation amongst the three men transforms from awkward moments of reserve to naked honesty, impromptu confessions and at times, open aggression.

Thus, Three Wise Men reminds us that we all carry our secrets and vulnerabilities with us. And because of its ability to connect so directly with its audience, the film is incredibly cathartic. As we witness each character strip himself of all of his emotional barriers, it is inevitable the viewer feel an enormous sense of satisfaction and relief after all the tension built up beforehand.

Full of subtle humour, occasional moments of hilarity and more than a few lessons, Three Wise Men is a must-see.

Sonic Mirror (Documentary -- Switzerland)

By Dennis Harvey (original article in Variety)

Exhilarating docu "Sonic Mirror" follows virtuoso percussionist Billy Cobham as he both performs with professional ensembles and teaches specialized groups around the world. While performance segments are exciting, it's the scenes exploring how autistic adults at a Swiss clinic relate to music and rhythm that are the pic's most fascinating element. The subject may not sound like a grabber, but as impeccably assembled by Mika Kaurismaki, this rousing feature could catch on with arthouse auds theatrically, with strong prospects for longer-term artscaster and educational exposure.

Personable sixtysomething Cobham briefly visits his native Brooklyn and his musically accomplished family, but "Mirror" isn't really interested in outlining his career (including stints with Miles Davis and John McLaughlin) or his esteem as arguably the world's greatest jazz fusion drummer. Instead, the focus is on his ideas about rhythm as an essential, intuitive means of human communication.

His intricate playing is glimpsed in several settings, notably playing a fully orchestrated composition with the Espoo Big Band at a Finnish jazz fest. In Brazil (where Kaurismaki also shot the docu "Sounds of Brasil"), Cobham teaches three precocious favela youths who are training to be part of the large samba ensemble Male Debale, and explains both his personal roots and the historical ones of Afro-Latino music.

There are also side trips to visit an old-fashioned drum artisan and someone who converts used tires into whimsically painted, thundering rhythmic tools.

Most absorbing, however, are sequences with residents at a facility for autistics in Konolfingen, Switzerland. We see the staff using percussive instruments and vibration in therapy with otherwise noncommunicative, withdrawn patients.

When Cobham and other musicians come to visit, their music coaxes some delighted, almost outgoing behavior from the patients. Slam-dunk finale cuts between a spectacular full-costume Male Debale concert and the Konolfingen subjects playing with Cobham & Co.'s instruments, underlining the universality of music's ability to move both body and emotions.

Packaging is on the top end of the documentary scale, with dynamic contributions from lenser Jacques Cheuiche, sound designer Uwe Dresch and editors Oli Weiss and Dresch.

Camera (color, HD-to-35mm), Jacques Cheuiche; editors, Oli Weiss, Dresch; sound (Dolby Digital), Dresch. Reviewed at Mill Valley Film Festival (Valley of the Docs), Mill Valley, Calif., Oct. 11, 2008. (Also in Munich, Pusan, Sao Paulo, Montreal film festivals.) Running time: 83 MIN.

Sonic Mirror

By Bonnie J. Gordon (original article in Hollywood Reporter)
Jul 5, 2007

Bottom Line: A feel-good world music documentary with the potential to be the next "Buena Vista Social Club."

Jazz rhythms are the basis of a universal language in musical documentary.

Munich Film Festival

MUNICH -- From dirt-poor Brazilian kids to autistic adults in Switzerland to in-the-know Finnish jazz aficionados, Mika Kaurismaki's latest music documentary "Sonic Mirror" follows the legendary drummer and composer Billy Cobham as he unites them all through infectious, can't-stop-moving rhythm.

Beautifully photographed by Jacques Cheuiche with an eye to timeless images -- the crashing of waves, floating of snow and gnarled hands on a drumskin -- and spectacularly engineered and edited for sound by Uwe Dresch (also a producer and co-writer) and Oli Weiss, "Sonic Mirror" could become a classic for music lovers of all kinds, a film they will want to own in order to watch it again and again.

Cobham's virtuosic playing, his wisdom and playful personality all surface in turn. "Sonic Mirror" cuts seamlessly from a packed auditorium in Finland, where Cobham is performing one of his compositions with an orchestra, to a sweaty street in Brazil, where the world-famous jazz musician gets a lesson from a cocky kid on how to hit a bass drum. Then it's onward to a Swiss institution for autistic adults, where a music therapist is encouraging a young man to paint a picture about Cobham.

Cobham, still a wide-eyed explorer in the realm of the beat, guides us on our journey. But it is the smiles on everyone else's faces that are most deeply moving. There's the boy in Brazil, who has no Game Boy, no computer, no iPod and certainly not the coolest new sneakers, racing to drumming practice down his pitted street with a tremendous grin on his face. And a psychologically damaged young man who can barely keep himself from exploding with happiness as he watches Cobham play in the institution's small concert room.

Then there's Cobham, doing a drum solo in Finland with four sticks at once, two in each hand, or tapping out the Latin rhythms he heard as a boy on the corner of Fulton Street and Nostrand Avenue in Brooklyn on the hood of a parked car. Wherever we are, whatever we are hearing, the "Sonic Mirror" of rhythm reflects everyone's humanity -- which for Kaurismaki is clearly something to celebrate.

Sonic Mirror

"24 heures", 25. 04. 2007, Lausanne, Switzerland
Jean-Louis Kuffer (link)

Le rythme libérateur
Vision du Réel; Avec Sonic Mirror, Mika Kaurismäki et le batteur Billy Cobham illustrent magnifiquement les pouvoirs d’exorcisme de la musique…

Une séquence finale prenante, et même bouleversante, à la fois du point du témoignage humain et de la sublimation artistique, marque la conclusion, frisant la transe, de Sonic Mirror. En alternance fusionnelle, sur un montage couplé, l’on y voit un groupe d’autistes d’une institution alémanique de Konolfingen danser au rythme des percussions conduites par le batteur Billy Cobham, et, à l’autre bout du monde, un groupe d’enfants des favelas de Salvador de Bahia mener, à grand renfort de tambours, les danses carnavalesques de la communauté locale.

A quoi rime ce patchwork, auquel s’ajoute le concert d’un big band finlandais conduit par le même Cobham? Est-ce un nouveau gadget à l’enseigne de la World Music? N’est-ce pas par voyeurisme opportun qu’on mêle l’observation d’un groupe d’autistes en thérapie aux vacations d’un pair de Miles Davis qu’on a vu aussi aux côtés de Peter Gabriel?

Nullement. Rien de frelaté dans cette plongée aux racines rythmiques de la musique, imaginée de concert par Marco Forster, architecte de formation établi à Vevey, que sa passion de la musique brésilienne a fait se rapprocher du réalisateur finlandais Mika Kaurismäki (frère du génial créateur qu’on sait…), dont il a produit l’avant-dernier film, Brasileirinho, présenté à Nyon en 2005. Tout à fait conscient des écueils éventuels d’une telle entreprise, Marco Forster et le cinéaste ont tissé ensemble la trame de Sonic Mirror, dont le thème majeur est la vertu libératrice de la musique, en faisant appel à un grand musicien de jazz déjà associé, dans les années 80, aux expériences de l’anti-psychiatrie italienne.

Le jeune autiste muet prénommé Adrian, visiblement hypersensible au rythme et à la musique, marque, du premier au dernier plan du film, cette présence à la fois emmurée, poreuse, absente-présente, d’un mal psychique auquel fait écho le mal social et identitaire d’une communauté latino-américaine de laissés-pour- compte. Or c’est auprès des petits percussionnistes de Malê, à Bahia, que Billy Cobham va prendre aussi des leçons, comme il apprendra quelque chose d’unique, ainsi qu’il en témoigne, en voyant les autistes « vivre » le rythme et la musique qu’il leur offre. Entre autres scènes fascinantes: ce moment où Adrian, en plein repas commun, se dirige à tâtons vers le piano où il va taper des notes à la recherche d’on ne sait quelle musique intérieure…

A propos de la séquence finale de Sonic Mirror, Marco Forster précise que ce qui s’est passé était totalement inattendu, imprévisible et finalement miraculeux. «Tout aurait pu foirer. Alors que ce qui s’est passé était comme une preuve, pour les thérapeutes aussi, que la musique ouvrait une brèche…»

A préciser qu’à la musique fait écho la mélodie des images, belles et sensibles de bout en bout. Si Mika Kaurismäki n’a pas la pureté noire de son frère terrible. Il n’en est que plus ouvert et chaleureux…

Nyon. Salle communale, le 25 avril, à 17h; et au Capitole 1, le 26 avril à 21h.30.

Geneva Lunch Community, April 26, 2007, Switzerland
CATHERINE NELSON-POLLARD, blog

Jazz, rhythm and Billy Cobham, in a great film showing tonight. If you love jazz or Brazilian music and if you are interested in the universal language of music and rhythm then go and see the film Sonic Mirror. It is joyous.In the film, drum legend Billy Cobham travels to the April Espoo Jazz festival in Finland to showcase a great jazz band. He then moves on to the streets of Bahia in Brazil where he rehearses with a group of young percussionists. Then we see him at a music workshop at a school for autistic young adults in Switzerland. All examples to show the power that music can bring to communities across the world.

There are many touching moments in the film. In one, a drum maker in Brazil working out of a very modest workshop says; "In making drums all my life, I haven’t grown financially but I’ve grown spiritually." He shows how a drum is made to children and we see their delight as they take the finished drum out to play and rehearse for carnival. Back in Switzerland there is a marvellous scene when an autistic teenager gets up and dances with sheer pleasure to the sound of music and Cobham’s drumming.

A quote from the film is “Everybody was born with rhythm inside them” and Mika Kaurismaki, the Finnish director shows us why. Superb photography, great, vibrant music, this documentary film is showing tonight at the Visions du Reel film festival in Nyon, the last night of the festival. When: 21:30, Thursday, 26 April. Where: The cinema in Nyon, Salle Leone. Rue Neuve 5. The film is 80 minutes in length and is in English. If previous film attendances have been anything to go by, best get there early to get a seat. A great and inspiring way to kick start the weekend.

Brasileirinho in Switzerland

Züritipp

FACTS

NZZ

Figaro Magazine du 27. 08. 2005

Brasileirinho ***
Documentaire musical, de Mika Kaurismäki

Amoureux de Rio de Janeiro, de ses ciels, de ses rythmes et de ses habitants, le cinéaste finlandais Mika Kaurismäki poursuit son exploration de l’âme musicale brésilienne en remontant à la source. Après Moro no Brasil (2002), Brasileirinho donne à voir et à entendre quelques maîtres actuels du choro. Le rythme national par excellence est né, à la fin du XIX siècle, de la rencontre entre les mesures afro-brésiliennes, les danses européennes et la mélancolie indienne. Il est à l’origine d’une musique de virtuoses qui dit à la fois la tristesse et la joie en laissant les interprètes s’envoler dans leurs improvisations jusqu’à la derrubada, le moment de l’échappée solitaire pour le soliste. Brasileirinho laisse aussi filer en toile de fond de très belles images de Rio. Sa bande originale (MK2 Music) est naturellement une merveille. (S.L.)

*** 3 étoiles (maximum) = excellent

"24heures" du 1.9.05:
Brasileirinho
"Encore un documentaire sur la musique brésilienne, mais celui-ci vient d'un expert, Mika Kaurismäki. Le frère d'Aki s'est exilé depuis longtemps sur le continent latino où il a ouvert un club, défriché les racines de ces rythmes irrésistibles et déjà tourné un film en leur hommage. Ce deuxième tome salue plus particulièrement le choro, à l'origine de la samba et de la bossa nova. Chauffe, Mika, chauffe."

(3 sur 4 points)

Avant-Première , Revue de cinéma mensuel, Suisse, No. 237, été 2005, page 39
www.avant-premiere.ch

Brasileirinho
De Mika Kaurismäki, Documentaire musical
Après « The Sound of Brasil », Mika Kaurismäki nous offre un nouveau documentaire, plus ciblé et moins complexe que le précédent, sur le choro, une musique traditionelle brésilienne. Incluant des séquences des meilleurs artistes du genre ainsi que des commentaires et des interviews, le film est un must pour les fans de World Music.
Le choro est une musique traditionelle d’où sont issues la samba et la bossa nova. Inventé à la fin du XIX siècle, à Rio de Janeiro, par des musiciens qui mélangèrent des musiques européennes et des rythmes afro-brésiliens, le choro était la dernière musique latino authentique qui nous restait à découvrir. C’est maintenant chose faite grâce à ce documentaire musical aux images riches en couleurs.

Screen

Kira Taszman, 12. 02. 2005

BRASILEIRINHO – by Mika Kaurismaki
The Finnish director has managed to combine his love of cinema, music and Brazil in one film. Some relationships are not as solid and lasting as Mika Kaurismaki's love affair with Brazil. It began 17 years ago, when the Finnish director presented a film in the country. In 1991, he settled there for good.

Kaurismaki's fascination with the music of his adopted country was already evident in his samba film Moro No Brasil three years ago. Now, he has added a further chapter to his exploration of Brazilian music, focusing on its oldest urban form, choro. “Samba is like party music, with vocals that people dance to,” Kaurismaki explains. “Choro is more instrumental and broader, combining European melodies and rhythms like the waltz or the polka with native and black African music.”

The film-maker previously owned a music club in Rio de Janeiro and knows the local music scene well. Several of the musicians in the film first played at Kaurismaki's club. With Brasileirinho, the film-maker combines his two passions. filming Brazilian choro virtuosos such as clarinetist Paulo Moura and seven-string guitarist Marcello Goncalves. Concert scenes and pictures of a choro class for young people alternate with more surprising moments: in one scene various guitarists all meet at the same beauty parlour in line for a manicure, their hard-working thumbs needing constant care.

Brasileirinho is also a film about the inhabitants of Rio, their roy of life: “The cliche about the Brazilian alegria is true. Despite their huge economic problems, people are happy,” says Kaurismaki, who only spent two months.of the past year in his native Finland. “People don't just listen to music on CD, they live it.” He also believes that Brazilians and the seemingly more gloomy Finns have much in common. Both are ordinary peoples, he says. And since the invention of mobile phones. Fins apparently have become almost as talkative as the Brazilians.

At tonight's screening of the film, (Feb 12, 6.30pm, Delphi), Mika Kaurismaki will present Brasileirinho with some of the-film's Choro musicians. They will include famous clarinetist Paulo Moura, who has previously performed at Carnegie Hall in New York, and virtuoso guitarist Yamandu.

Stadtmagazin Berlin, Deutschland
3.2.2005

Auch das Internationale Forum hat einen heissen Anwärter auf die Krone des Publikumslieblings im Programm. Regisseur Mika Kaurismäki entdeckt in seiner Musik-Dokumentation BRASILEIRINHO den Choro, den ersten ureigenen Brasilianischen Musikstil, der um 1870 in Rio de janeiro entstand und noch heute unter dem Zuckerhut lebendiger denn je ist.

Wochenzeitung Zürich, Schweiz
Julian Weber, 24. 02. 2005

Zweihundert Songs im Schädel ; Die Blaupause von Bossa Nova
Kein Land kann mit Musik derart begeistern wie Brasilien. Gleichzeitig ist das Image seiner Musik so klischiert, dass es kaum möglich scheint, diese filmisch zu unterlaufen. Dieses Kunststück gelingt dem Finnen Mika Kaurismäki. In einer Szene seiner Dokumentation BRASILEIRINHO begleitet er den Musikveteranen Paulo Moura zum Neurochirurgen. Dabei erläutert der Musiker das Röntgenbild seines Schädels. Da stecken mehr als zweihundert Songs drin, lässt er mit Kennermiene wissen. Fur BRASILEIRINHO, eine schweizerisch-finnisch-brasilianische Koproduktion, begibt sich Mika Kaurismäki auf die Suche nach den Wurzeln brasilianischer Popmusik, jener Spezialmischung aus europäischen Melodien, den Rhythmen der SklavInnen und der melancholischen Ausdrucksweise der IndiannerInnen, die Choro genannt wird und die Blaupause dessen ist, was heute als Samba oder Bossa Nova um die Welt geht. Seine Anfänge liegen Ende des 19., Anfangs des 20. Jahrhunderts; damals gründete sich in Rio eine Musikkappelle nach der anderen. Choro verbreitete sich rasant und trug letztlich zur kulturellen Identität Brasiliens bei. Wenn BRASILEIRINHO auch historisch exakt erklärt, hält der Film nicht für eine zweite “Buena Vista Social Club”-Nostalgiewelle her. Denn heute hat eine junge MusikerInnengeneration den Choro für sich entdeckt. Kaurismäki schneidet Konzertausschnitte neben spontane Sessions, Proben und Backstage-Schnappschüsse . Musiker erklären sich und ihre Philosophie und beweisen, dass die Grazie des Choros unauslöschlich ist.

Cineminha (Festival Berlin February 2005, by Bruno Betoni) http://www.cineminha.com.br/noticias.asp?ID=2665

O salão lotado já dava idéia do prestígio da cultura brasileira... Confira tudo sobre mais um grande evento

Dando continuidade às resenhas sobre os filmes vistos na 55 Berlinale, apresento-lhes o sexto texto, sobre o filme Brasileirinho.

No dia 23 de abril se comemora o aniversário de Pixinguinha e em sua honra o Dia Nacional do Choro. No ano de 2004 o dia 23 de abril teve em suas comemorações uma celebração peculiar. Uma barca das que fazem a travessia Rio-Niterói foi fechada para um seleto grupo de músicos, melômanos e simpatizantes da boa música. O nome, Barca do Choro, se inspirou no Trem do Samba, que sai da Central do Brasil no Dia do Samba. Na tripulação a nata do choro no Rio: os grupos Trio Madeira Brasil (com Reinaldo Souza, Zé Paulo Becker e Marcello Gonçalves) e Rabo de Lagartixa, Zé da Velha, Carlinhos Leite, Hamilton de Holanda, Thiago Souza, Silvério Pontes, Rui Alvim, Gallotti, Rogério Souza entre outros. No meio deles um gringo finlandês que morou no Brasil por mais de uma década registrava tudo com suas lentes para mais um documentário seu sobre o Brasil.

O diretor chama-se Mika Kaurismäki e já apresentou seus filmes em vários festivais no mundo todo, e é claro, no Brasil. Sua última aparição por estas bandas foi com o filme Moro no Brasil, no Festival de Cinema do Rio 2003. As filmagens na Barca do Choro foi apenas parte de seu documentário Brasileirinho, que teve sua estreia mundial agora na Berlinale e fala basicamente sobre o choro, na opinião e interpretação de grandes ícones do seu estilo atualmente no Brasil.

A apresentação do filme foi no Delphi Palast, um antigo teatro onde antes se faziam shows de jazz e que agora serve de cinema, inclusive para a Berlinale fora do centro de eventos do festival que de uns anos pra cá fica agora na Potsdamerplatz. O salão lotado já dava idéia do prestígio da cultura brasileira entre o público berlinense, que não se esquece do Leão de Prata dado à Fernanda Montenegro por Central do Brasil (que aliás também esteve aqui ano passado com Raul Cortez por Do Outro Lado da Rua). O filme está centrado no Trio Madeira Brasil, com Reinaldo Souza, Zé Paulo Becker e Marcello Gonçalves, este último o supervisor musical do filme. Durante uma roda de choro o grupo lança o projeto de um concerto a ser realizado no Dia Nacional do Choro. Numa mistura entre ficção e realidade, o grupo vai encontrando parceiros, ensaiando e tornando realidade o concerto que de fato foi feito. Unindo-se ao grupo vem outros grandes como Zé da Velha, Silvério Pontes, Paulo Moura e Zamandú Costa, que surpreendeu a platéia com seu virtuosismo ao violão. Cada um dando seu depoimento sobre o choro, tentando esclarecer o público leigo da história deste nosso precioso estilo musical.

Várias passagens do filme não somente elucidam e resgatam a memória do choro como revelam curiosidades divertidas sobre nossa história. Por exemplo a cantora Tereza Cristina, que interpreta a música Marido da orgia de Ciro de Souza. A canção fala das queixas de uma mulher sobre o companheiro farrista e a cantora comentou na coletiva após a sessão: "Foi ótimo ter podido cantar a música do Ciro no Brasileirinho, porque é uma canção em que a mulher dá o troco no homem". Também é interessante a aparição de Zezé Gonzaga que conta sobre a letra de Tico-tico no Fubá. Emocionante mesmo foi o momento em que se interpretou no filme a canção Carinhoso, que mesmo para quem não gosta de choro é referência inconfundível a qualquer um via televisão nos anos 80 com o anúncio do Chambinho. No salão lotado de pessoas anônimas de nacionalidade igualmente anônima, de repente ouvia-se vindo de diversos pontos do teatro escuro murmurares, solfejos e até mesmo sussurros de pessoas que não se contiveram ao silêncio e acompanharam ainda que inconscientemente a música de Pixinguinha, denunciando imediatamente sua nacionalidade, membros de uma seita quase secreta, uma maçonaria, comungando no anonimato do prazer e da emoção de ouvir algo tão nosso num lugar tão longínquo e frio quanto uma Berlin em fevereiro!

Após o filme o elenco e diretor subiram ao palco para os extensos aplausos, não só dos brasileiros mas de todo o teatro e responder perguntas da platéia. Depois os músicos Paulo Moura, Marcello Gonçalves, Tereza Cristina e Pedro Miranda deram uma canja no setor de imprensa com um happy hour oferecido pela distribuidora do filme, regado a pão de queijo e caipirinha, feitos pela equipe de um restaurante brasileiro de Berlin (bom presente de aniversário para mim, que fazia anos exatamente naquele dia). Depois os músicos ainda foram para a choperia Ballhaus Berlin acompanhados ainda de Yamandú Costa para mais uma roda de choro.

Como brasileiro náo poderia de forma alguma achar defeitos numa homenagem táo bonita e sincera feita à nossa cultura, ainda por cima vindo de alguém que não é brasileiro. Mas assumindo uma indevida neutralidade, eu diria que o filme mostra muito mais música, em tomadas realmente longas sem cortar as músicas no meio e deixa meio de fora a parte didática de informar mais a respeito do choro e de sua história. Conversando com outros gringos por lá tive a impressão geral de que todos adoraram a música, mas ficaram sem muito entender de suas histórias, de suas origens, e talvez o próprio Mika tenha talvez se desviado disso ele mesmo, por já conhecer muito bem a história do choro, tendo sido inclusive proprietário por alguns anos de um clube de música no Rio. Mas pra nós, brasileiros, o filme é imperdível e recomendado a qualquer um com o mínimo de sensibilidade musical. Estou certo de que este filme será figurinha fácil dos próximos festivais agora do fim de 2005 no Brasil.

ZDF Aspekte, Deutschland
Ein Streifzug ... durch die Sektion "Internationale Forum des jungen Films" der Berlinale

Musikalisches, Politisches und Biografisches vom Forum: "Brasileirinho",
Judith Aretz, 12.02.2005

Rhythmisch schwebend
Trotzdem muss, wenn man das Forum 2005 durchforstet, allen voran ein Film genannt werden, der zuallererst Spaß macht und den Zuschauer rhythmisch schwebend das Kino verlassen lässt. Zu Beginn von "Brasileirinho" geht über Rio de Janeiro eine goldig rote Morgensonne auf - und mit ihr das Herz für die Musik und die außergewöhnlichen Musiker, die Mika Kaurismäki in seiner wunderbaren Dokumentation portraitiert. Alles dreht sich um den "Choro", die erste unverfälschte brasilianische "urban music", entstanden um 1870, als neue Musikgruppen in Rio europäische Musik mit afro-brasilianischen Einflüssen verbande

Ungebrochene Vitalität
Mika Kaurismäki, der ältere Bruder des Regisseurs Aki Kaurismäki, erinnert mit "Brasileirinho" aber nicht nur an die Geschichte des Choro, der die brasilianische Musikszene drei Jahrzehnte lang dominierte - bevor er in den 20er Jahren in den Schatten des Sambas trat. Vor allem aber zeigt er die ungebrochene Vitalität, die Magie dieser Musik aus rasanten Gitarrenläufen, einer dynamisch Achterbahnfahrt mit Mandolinen, Trompeten, Tamburins, mal sehnsüchtigem, mal unbeschwertem Gesang.

Das "Trio Madeira Brasil" mit den herausragenden Gitarristen Marcello Goncalves, Zé Paulo Becker und Rolando do Bandolim steht im Zentrum des Films. Wenn man die drei gleich am Anfang auf der Bühne sitzen sieht, uneitel und unglaublich virtuos die siebensaitige Gitarre und Mandoline spielend - dann erkennt man, warum der "Choro" heutzutage seine Wiedergeburt feiert und nicht nur in den Straßen und Armenvierteln, sondern auch in den Bars und Konzerthallen der großen Städte Brasiliens präsenter und lebendiger denn je ist.

Ein magischer Moment
Kaurismäki begleitet die drei Musiker bei den Vorbereitungen und Proben zu einem großen Konzert, weckt das Ambiente, in dem der Choro entstand, wieder zum Leben. Die Musiker erinnern sich gemeinsam an die vergangenen großen Zeiten, sie singen und spielen spontan, improvisieren - und das alles mit ganz und gar leichthändiger Perfektion. "Choro ist eine alterslose Musik", sagt der Trompeter Silvério Pontes, und tatsächlich wird das Gefühl dieser Gemeinschaft von 15 - bis 70jährigen Musikern auch für den Zuschauer fühlbar.

Aber auch solo treten sie auf. So der massige Fingerakrobat Yamandú. Gänsehautig mit anzuschauen und zu -hören, wie er im großen Konzertsaal das Publikum in seinen Bann zieht, so dass der gesamte Saal fast andächtig eine bekannte Melodie zu seinen virtuosen Improvisationsklängen mitsingen. Ein magischer Moment, der lange nachhallt. Am Ende des Films stehen Menschen aus verschiedensten Regionen und sozialen Klassen gemeinsam auf der Bühne. War zu Beginn von einem unpolitischen Film die Rede?

Mehr davon!
Mika Kaurismäki hat in "Brasileirinho" die Seele einer großartigen Musik für uns eingefangen. Leider nur für 90 Minuten. Mehr davon! Und hoffentlich bald in einem Konzert- oder Kinosaal in der Nähe.

Diário das Notícias, Lisboa, Portugal
João Miguel Tavares, 21. 2. 2005

Chorinho leva Brasil a Berlim
ês mais conhecido do cinema, Aki Kaurismäki, tem um irmão mais velho chamado Mika Kaurismäki, que em vez de fazer filmes gélidos como o irmão faz documentários quentes como Brasileirinho, projectado na secção paralela Forum do Festival de Berlim. Brasileirinho debruça-se sobre o universo musical do choro e, embora não seja um grande documentário, é uma peça irresistível para quem gosta de música brasileira.

O choro é o mais antigo género musical do Brasil, e aquele que ainda hoje se mantém mais próximo das suas origens, no sentido em que continua a ser uma música urbana, de rua, tocada nos botecos. Como o género é predominantemente instrumental, nunca atingiu a popularidade do samba, da bossa nova ou da MPB. Mika Kaurismäki filma músicos geniais no meio da rua, de calções e sapatilhas, a beber imperial e a comer pernas de frango.

O choro vive hoje uma segunda vida, com novos e talentosíssimos executantes. Para além de conversar com os veteranos, Brasileirinho vai atrás das novas gerações, muitas delas formadas em oficinas de choro, verdadeiras orquestras amadoras onde qualquer aspirante a músico pode participar. Sendo um retrato de um género virtuoso outra vez em ascensão, Brasileirinho é também - ou é sobretudo - um retrato do Brasil naquilo que sem dúvida ele tem de melhor uma cultura musical sem paralelo no mundo, onde o som do violão de sete cordas e do pandeiro se confunde com as pedras da calçada.

Jornal do Brasil

Dia de chorinho na Alemanha
Documentário sobre o gênero faz sucesso no Festival de Berlim e tem exibição seguida de show
Carlos Helí de Almeida, 14. 2. 2005

Paulo Moura e o diretor de ‘Brasileirinho’, o finlandês Mika Kaurismaki, posam para foto

BERLIM - Sábado foi dia de festa brasileira na Berlinale, regada a sets de chorinho. A Ballhaus Berlin, uma aconchegante casa de show e choperia em Mitte, bairro boêmio da antiga Berlim Oriental, ficou pequena demais para os chorões Paulo Moura, Yamandú Costa, Marcelo Gonçalves (do grupo Trio Madeira Brasil) e a sambista Tereza Cristina. Os quatro músicos são alguns dos protagonistas do documentário Brasileirinho, do finlandês Mika Kaurismaki, uma das atrações da mostra Forum do Festival de Berlim, e estavam comemorando ali, ao vivo, o sucesso da primeira sessão para o público do filme sobre a história e a vitalidade do gênero musical, co-produzido pela produtora brasileira Sky Light.

Os quatro bambas também foram as principais atrações do quadro de perguntas e respostas que se seguiu à projeção de Brasileirinho, algumas horas antes, na sala Delphi Film Palast. O tradicional cinema do lado ocidental da cidade, um sala construída no final dos anos 40, com cerca de mil lugares e que já foi palco de festivais de jazz, ficou igualmente lotado de alemães, brasileiros e finlandeses - residentes ou de passagem por Berlim. Todos aparentemente encantados com as imagens bucólicas de Santa Teresa e Cordeiro, celeiro de bandas do interior do Estado do Rio, e com as histórias e as músicas do filme.

Kaurismaki, que adotou o Rio como residência desde o final dos anos 80, começou o encontro explicando para a platéia em estado de graça que já havia feito um outro documentário sobre música brasileira, Moro no Brasil (2002), de forte conotação social, no qual a manifestação musical era mostrada como uma espécie de instrumento de sobrevivência do brasileiro. Em Brasileirinho, o personagem central é o choro, um gênero que, diferentemente do samba, nasceu na classe média carioca na segunda metade do século 19, sob influências européias e africanas.

- Desta vez, eu falo sobre a música em si, as pessoas estão em volta dela. As rodas de choro envolvem muita gente - ensinou Kaurismaki, que reagiu com certa indiferença à comparação entre Brasileirinho e Buena Vista Social Club, o documentário de Wim Wenders sobre músicos cubanos.

- Sou muito amigo dos realizadores do Buena Vista, mas o filme não serviu de inspiração para o meu - encerrou.

Protagonista de um dos momentos mais emocionantes do longa-metragem, um solo de violão para Carinhoso (Pixinguinha), acompanhado pelo coro de um Teatro Municipal de Niterói lotado, o violinista gaúcho Yamandú Costa foi um dos mais convidados mais solicitados pelo público. Alguém quis saber se ele não achava uma situação estranha ter sido convidado por um diretor finlandês para falar sobre um tipo de música tão brasileira para a platéia de um país estrangeiro.

- O brasileiro é um dos povos mais hospitaleiros do planeta, tem tradição de receber bem os estrangeiros. O Brasil é formado pela mistura de raças. Por isso, não acho nada estranho falar sobre nossa música para gente de fora. Até porque o choro mostra um pouco dessa miscigenação do país, ele é fruto dela - argumentou o músico.

No filme, a cantora Tereza Cristina interpreta Marido da orgia. A canção de Ciro de Souza fala das queixas de uma mulher sobre o companheiro farrista. Tereza e a veterana Zezé Gonzaga são uma das raras aparições femininas no filme de Kaurismaki. Os homens predominam nas rodas de choro, da Penha a Santa Tereza, passando por Cordeiro e Niterói. ''Como é ser uma 'chorona' no mundo dos chorões?'', quis saber alguém da platéia.

- Na verdade, eu não me considero muito uma chorona. Sou mais uma cantora e compositora de samba. Mas fiquei honrada com o convite para participar do filme. Cantar no meio de chorões me enche de orgulho. Como eu digo no filme, as letras de samba costumam ser muito machistas. Foi ótimo ter podido cantar a música do Ciro no Brasileirinho, porque é uma canção em que a mulher dá o troco no homem - disse a sambista.

Brasileirinho também conta com depoimentos preciosos, como o do saxofonista e clarinetista Paulo Moura explicando a sua relação com sua clarineta de acrílico, uma velha companheira de trabalho. No filme, percebe-se que o saxofone perdeu um pouco de importância na carreira de Moura. Depois, o músico teve que justificar a preferência para os espectadores do Delphi.

- Escolhi a clarineta porque a acho muito mais expressiva que o saxofone. Além disso, o saxofone é um instrumento muito mais pesado. Eu viajo muito e não é nada confortável ficar carregando um trambolho daquele de um lado para outro dos aeroportos. A clarineta é pratica - disse, com bom humor, arrancando risinhos da platéia. - Quando Pixinguinha largou a flauta e passou a usar a clarineta, disseram que ele estava fazendo jazz. Prefiro um choro com influências africanas, com uma presença mais forte da percussão.

Assim como a cultura brasileira, o choro é combinação de influências. Nada mais natural que alguém quisesse saber se os brasileiros ouvem ou são influenciados pela música de nossos colonizadores, os portugueses. E, mais uma vez, Paulo Moura deixou a diplomacia de lado e sacou do bom humor.

- Por mais que nos esforcemos, não conseguimos ouvir música portuguesa. Porque é um tipo de música muito triste, a nossa música é muito alegre, para cima. Ela particularmente está mais próxima das influências africanas, como também acontece com os Estados Unidos e com Cuba - explicou o músico à platéia repleta de curiosidade sobre mais essa faceta da cultura brasileira.

Musibrasil, Italia
http://musibrasil.net/vsl_art.asp?id=1063

Berlino celebra lo choro
"Brasileirinho" di Kaurismäki mostra la vitalità del genere musicale.

‘Brasileirinho’, del regista finlandese Mika Kaurismäki, presentato in prima mondiale, è una coproduzione di tre compagnie, la svizzera Marco Foster Production, la finlandese Marianna Films Oy e la brasiliana Uno Produções Artisticas dell’attivissimo Bruno Stroppiana, italiano residente a Rio da trent’anni e anche produttore di famosi registi quali Carlos Diegues e Ruy Guerra. Si tratta di un documentario musicale molto vivace che denota una grande sensibilità nella messa in scena e nella speciale commistione tra musica e vita reale, tratto caratteristico della coscienza brasiliana senza distinzioni sociali. È dedicato allo choro, quantunque molti dei musicisti che vi appaiono siano anche sambisti.

Lo choro (ed è utile ricordare che il più citato chorinho è solo un aspetto del suddetto) è considerato unanimemente il primo genere musicale urbano genuinamente brasiliano. Sembra sia nato attorno al 1870, quando alcuni musicisti di Rio iniziarono a mescolare la struttura armonica di melodie europee come il valzer e la polka con ritmi afrobrasiliani e con la malinconica musica dei nativi indios. Ne nacque un nuovo sound soprattutto strumentale. Fu suonato in varie sedi, dai piccoli bar alle birrerie, alle concert-halls e divenne la prima espressione musicale della classe media urbana a Rio de Janeiro. 

Ebbe un ruolo fondamentale nello sviluppo dell’identità culturale nazionale e rimase il genere musicale più popolare fino agli anni Venti del secolo scorso, essendo precursore sia del samba che della bossa nova. Alcuni titoli quali “Tico-tico no fubá” e “Brasileirinho” sono universalmente conosciuti nel Paese. Si può inoltre affermare che gran parte dei compositori brasiliani dell’ultimo secolo furono influenzati o si cimentarono con lo choro, da Hector Villa Lobos (il quale disse che è l’essenza e l’anima della musica brasiliana) a Nazareth, da Baden Powell a Tom Jobim, da Chico Buarque a Toquinho, Paulinho da Viola, Hermete Pascoal e molti altri. Dopo un modesto declino in termini di popolarità lo choro ha ottenuto un significativo revival negli ultimi vent’anni ed è stato riscoperto dalle ultime generazioni. Lo choro moderno è molto flessibile: può essere suonato da diverse formazioni, da solisti a big-band, le cosiddette gafieras delle serate danzanti. Si presta particolarmente alle improvvisazione, può essere cantato e persino danzato e offre varie possibilità di performance, dalla roda de choro ai concerti in teatri e auditorium.

Il film ripercorre la storia, i temi e i motivi dello choro attraverso i musicisti che lo eseguono e lo sentono come parte della propria vita. La linea guida, ovvero il filo conduttore di questa originale e vitale cavalcata musicale, è data dalla band Trio Madeira Brasil, i cui componenti sono Marcello Gonçalves (chitarra a sette corde), Zé Paulo Becker (chitarra) e Ronaldo do Bandolim (mandolino). Durante una roda de choro, una specie di jam-session privata, il trio concepisce il progetto di un grande concerto e incomincia un itinerario di incontri con altri musicisti nelle loro case e durante momenti di esibizione e di prove. Vengono visitati ed intervistati vari artisti che ricordano momenti chiave del passato e suonano i loro strumenti. Tra gli altri, Joel Nascimento (che ricorda il famoso locale degli anni 70 “Suvaco de Cobra”); Zé da Velha (il quale afferma che lo choro rappresenta il jazz brasiliano); Silvério Pontes (il quale afferma si tratti di una musica senza età perché possono trovarsi a eseguirla insieme musicisti di 15, 40 e 70 anni); Yamandù Costa, straordinario compositore e virtuoso della chitarra a sette corde, che mescola choro e jazz; Carlinhos Leite; l’intramontabile Elza Soares; il grande Paulo Moura, che suona sax e clarinetto e ha scritto arrangiamenti per Elis Regina, Fagner e Milton Nascimento; Guinga; Teresa Cristina e Pedro Miranda. Viene mostrata anche la banda giovanile del municipio di Cordeiro, ragazzi appassionati e dotati, invitati a Rio per una roda de choro con grandi maestri quali Mauricio Carrilho e Luciana Rabello. Tra incontri, rievocazioni, giornate di svago nei bar di Lapa e in campagna, scorre un intero repertorio di musiche composte da Tom Jobin, Vinicius De Moraes, Baden Powell, Otavio Dias Moreno e Pixinguinha. E troviamo ancora i musicisti circondati da un pubblico spontaneo e partecipe sul ferry Rio - Nitéroi fino al grande concerto, apoteosi finale nel Teatro Municipal di Nitéroi.

Jornal “O GLOBO” do Rio de Janeiro, Brazil

Choro no mundo
Hugo Sukman, 10. 02. 2005

A câmera rompe a barra da Baía de Guanabara e oferece, como há mais de 500 anos aos primeiros europeus que chegaram, a vista de um mundo novo. Só que desta vez ao som de música, “Santa Morena”, de Jacob do Bandolim. Assim, como quem quer descobrir um mundo novo, o Rio, e revelar ao mundo uma música, o choro, começa “Brasileirinho”, “documentário musical” do cineasta finlandês Mika Kaurismaki, longa-metragem que será exibido pela primeira vez no Festival de Berlim, que começa hoje na capital alemã, na programação do Fórum da Berlinale, a principal mostra paralela do evento.

Apesar de ter morado no Rio, ser ele mesmo íntimo da música brasileira — foi dono do bar de música Mika’s, em Ipanema, e já fez outro documentário, “Moro no Brasil”, mais centrado no samba — Kaurismaki não esconde, logo nas primeiras cenas, o ponto de vista europeu, didático mesmo, de revelar o choro ao mundo, em seus mais variados aspectos.

No filme, o choro começa apresentado como “a primeira música urbana brasileira, antes do samba e da bossa nova”. E, depois, através do Trio Madeira Brasil (que está tocando o “Santa Morena” que abre o filme), inicia uma viagem pelo variado choro contemporâneo e suas origens.

— Nós tentamos fazer uma seleção representativa de músicos e de diferentes aspectos do choro, tentando mostrar sua versatilidade — diz Mika, cuja idéia de fazer um filme sobre choro foi passada por outro europeu brasilianista, o suíço Marco Forster, que numa première de “Moro no Brasil” em Lausanne, na Suíça, perguntou a Kaurismaki por que não havia choro no filme. — Eu tentei explicar que havia tanta música no Brasil que era impossível incluir tudo num filme só. E disse que gostava de choro, mas que “Moro no Brasil” era mais sobre samba, e que o choro merecia um filme só para ele. Aquele cavalheiro disse então que produziria o filme. O que acabou acontecendo.

Da roda tradicional até versões arrojadas
A tal diversidade do choro não é mera abstração em “Brasileirinho”, que exibe da roda mais tradicional — uma incrível, aos pés da Igreja da Penha, protagonizada pelos irmãos (Beto e Henrique) Cazes, por Joel Nascimento, Zé da Velha, o flautista Claudio Camunguelo, entre outras figuras incontornáveis do choro atual — a versões arrojadíssimas como a do violonista Yamandú (que toca um “Brejeiro”, de Ernesto Nazareth, moderno e cheio de suingue).

“Brasileirinho” tem como eixo um dos melhores grupos jovens de choro do país, o Trio Madeira Brasil — cujo violonista de sete cordas, Marcelo Gonçalves, é diretor musical do filme — que prepara um show no Teatro Municipal de Niterói abordando as diferentes vertentes do choro. A partir dos ensaios, do dia-a-dia e da preparação do trio para o concerto, o filme vai destrinchando um universo estranho mesmo a muitos brasileiros, questões e discussões internas do choro muito distantes do grande público mas de grande influência nos caminhos da música brasileira.

O clarinetista Paulo Moura, por exemplo, defende seu choro jazzificado. Em contraponto, Joel Nascimento, protagonista de cenas emocionantes, mostra ao bandolim como é o improviso à brasileira do choro, muito diferente do jazzístico. Guinga se define como “um compositor popular, de canções, que também se manifesta através do choro”.

— E tenho orgulho disso — diz Guinga, antes de tocar, à guisa de exemplo, a modinha, tão chorística na forma e no clima, “Senhorinha”.

Mistura perfeita de branco, negro e índio
É claro que o filme tem cenas para gringo ver, como a de uma roda em plena Praça Tiradentes, devidamente cenografada e iluminada, com bailarinos dançando num cenário de fantasia tropical. Mas o que predomina é a beleza da música e a intensidade do universo do choro. Como a do grupo de garotos do interior que vêm ao Rio todo sábado ter aula com mestres como a cavaquinista Luciana Rabello ou com o violonista Maurício Carrilho, que define de forma lapidar o que é o choro:

— É fruto de três influências: a estrutura, melodias e harmonias da música européia, a rítmica da música negra e a melancolia da música indígena.

Origem que o filme tenta buscar nas conseqüências, como a sua estilização em canção, com Ademilde Fonseca mostrando o choro com letra (tornado mais habitual depois do seu estouro com a versão cantada de “Tico tico no fubá”, nos anos 50), sua influência no samba (Teresa Cristina fala sobre e canta vários sambas-choro), na gafieira (com a dupla Zé da Velha e Silvério Pontes), na música brasileira moderna (Zezé Gonzaga canta o choro “Falando de amor”, de Jobim) e sobretudo a imensa influência do choro na formação instrumental da música brasileira — uma cena antológica é a de três gerações de pandeiristas, Jorginho (do Época de Ouro), Celsinho Silva e Marcos Susano, mostrando as origens e a evolução do instrumento.

Ao lançar “Brasileirinho” em Berlim, Kaurismaki, o produtor suíço Marco Forster e a produção brasileira da Sky Light (curiosamente dirigida por um italiano há muitos anos radicado no Rio, Bruno Stropiana) querem também lançar o choro moderno brasileiro no mundo. Tanto que, além do filme, o festival de cinema vai receber um show com Paulo Moura, Yamandú, Marcelo Gonçalves, do Trio Madeira, e a cantora Teresa Cristina. Não deverá ser a apoteose que encerra o filme, toda a platéia do Municipal de Niterói cantando o “Carinhoso”, mas já é um começo.

DOX, Documentary Film Magazine, by EDN European Documentary Network
Nr. 58, May 2005, www.edn.dk

Brasileirinho
Switzerland/Finland/Brasil 2005, 90 min.
Director: Mika Kaurismäki
Production: Marco Forster Productions, Marianna Films, Studio Uno Produções Artísticas
World Sales: Wide Management Entreprise, www.widemanagement.com

In his second doc on Brazilian music, Mika Kaurismäki focuses on Choro, the first musical expression of Brazil’s melting pot of cultures that has become popular again today among the younger generation. The music is in focus through great concert scenes, shots from jam sessions, rehearsals, and some of Brazil’s most remarkable Choro musicians talking about the music they create. It is a real visual and musical treat with excellent sound and superb cinematography.

http://www.manana.pl/img/Brasileirinho%20es.doc

Brasileirinho. La música del sol

"Una película que no les dejará descansar... a tus piernas" - Variety

Durante el 6. Festival del Cine Latinoamericano seguiremos con la muestra de películas sobre la música latina. Este año la sección LA MÚSICA la abrirá la última película de Mika Kaurismäki Brasileirinho. La anterior obra del director finlandés que reside desde muchos años en Brasil, Moro no Brasil, abrió ante nuestros ojos un amplio panorama de la música brasileña. Esta vez Kaurismäki nos presenta un impresionante retrato del primer género de la música urbana verdaderamente brasileño: el choro, desarrollado a lo largo de más de 130 años para convertirse en un sonido tropical, fascinante y moderno. La película, presentada en el último Festival de Berlín disfrutó de una gran admiración del público europeo.

A finales del siglo XIX en Río de Janeiro los músicos brasileños empezaron a mezclar melodías europeas con ritmos afro-brasileños y melancólicas interpretaciones de la música de los indios brasileños: así es como nació el choro. Se trata, sobre todo, de un género de la música instrumental, tocada en bares y salones de música, que se considera la primera expresión musical de la recién nacida clase media urbana.

El choro tuvo una importante influencia en la creación de la identidad cultural brasileña; hasta los años 20. era uno de los géneros musicales más populares en Brasil, y dio origenes directos a los samba y bossa nova. Algunas composiciones, entre otras "Brasileirinho" y "Ticotico no Fubá", han ganado cierta fama mundial. Desde el mismo principio, casi todos los compositores brasileños quedaban bajo la influencia del choro o incluso componían canciones pertenecientes a ese género. Según Villa-Lobos, el choro es la verdadera esencia de la música brasileña.

En las últimas décadas el choro, después de los años difíciles, gana popularidad. A pesar de una práctica ausencia en los medios de entretenimiento comerciales, ese sonido auténctico y reconocible ha sido redescubierto por la generación joven de los músicos brasileños. La versión contemporánea de ese género musical cubre distintos estilos, desde la orquesta cameral hasta bandas de danza, así llamadas gafieiras y conjuntos de jazz. El choro es posiblemente el último género de la música latina auténtico que todavía no ha llamado tanta atención del mundo entero.

Brasileirinho recuerda la historia del choro, pero, sobre todo, presenta una vitalidad variopinta de ese género en nuestros tiempos. El motivo central de la película es el conjunto Trio Madeira Brasil, compuesto por tres destacados músicos brasileños: Marcello Gonçalves (guitarra de siete cuerdas), Zé Paulo Beker (guitarra) y Rolando de Bandolim.

Durante la roda de choro, una especie de la jam-session brasileña tradicional, el Trio decide organizar un concierto en el que participasen músicos invitados. Al mismo tiempo, la roda de choro refleja el ambiente en el que el choro nació y se desarrolló a lo largo del siglo anterior. Durante las sesiones musicales, pero también en sus propias casas, los músicos brasileños recuerdan los acontecimientos más importantes para la historia de esa música, como, por ejemplo, los principios de la radio, la época de la Big Band y las fiestas de baile tradicionales (gafieiras), así como tocan las composiciones clave para esa historia.

Una mirada a los talleres semanales en los que participan más de 450 personas de todas las edades nos ilustra la forma de tocar e improvisar música brasileña de nivel impresionante, libre de cualquier límite. Entrevistas con reconocidos músicos, tocadores de los samba y bossa nova, como, por ejemplo, Zezé Gonzaga, Elza Soares y Guinga, reflejan una relación simbiótica del choro con esos géneros musicales. Las imágenes finales del concierto del Trio Madeira Brasil y sus invitados en uno de los salones de música de mayor tradición en Río, una vez más nos muestran una impresionante abundancia de ritmo y melodía que contiene el choro: uno de los mejores y más originales géneros musicales en Brasil.

Brasileirinho, Suiza / Brasil / Finlanda, 2005, '90, dirección: Mika Kaurismäki, guión: Marco Forster y Mika Kaurismäki, fotografía: Jacques Cheuiche, música: Carlos de Andrade.

http://wroclaw.polskanoc.pl/index.php?body=imp&idimp=8994

Brasilerinho" wins "Luna Azul" - grand prix of Festival del Cine Iberoamericano' Wroclaw' 2005

23. 06. czwartek
- Brasilerihno (braz.), godz. 20 00; Brazylia /Finlandia/Szwajcaria, 2005, '90, reż.: Mika Kaurismäki

Mieszkający od lat w Brazylii reżyser przedstawia nam porywający portret pierwszego prawdziwie brazylijskiego gatunku muzyki wielkomiejskiej – choro, który rozwijał się od ponad 130 lat, przybierając kształt fascynującego, nowoczesnego tropikalnego brzmienia. Prezentowany na tegorocznym MFF w Berlinie film podbił serca festiwalowej publiczności europejskiej.
Choro to muzyka przede wszystkim instrumentalna, grana w knajpach i salach koncertowych, uważana za pierwszy przejaw muzycznej ekspresji wśród powstającej w latach 20-tych miejskiej klasy średniej, dając bezpośrednie początki najpierw sambie, a następnie do bossa-novie.
Brasileirinho przypomina historię choro, ale przede wszystkim prezentuje barwną witalność tego gatunku w dzisiejszych czasach.

Honey Baby received by enthusiastic audiences in festivals

”The Nordic Filmdays in Lübeck opened with Honey Baby, a great mythological roadmovie by Mika Kaurismäki. Love is a journey to the uncertainness and sometimes one needs to descend to the underworld for it…. Honey Baby asks the question, if love could be possible. That’s more than enough.” (See the entire review below in German)

Die tageszeitung 04.11.2004/Daniel Wiese

”…the ones who could find a seat in the overpacked cinema were awarded with Mika Kaurismäki’s new film Honey Baby, a sarcastic but still lovable adaptation of the antique love story of Orpheus and Eurydice… Kaurismäki succeeded in adapting the classic to a roadmovie with a superb cast…”

Hamburger Morgenpost 06.11.2004

”Mika Kaurismäki shows, that he has more than just a pitch black sense of humour, he can also bring big emotions to the screen without becoming sentimental… a wonderful melancholic and in the same time bizarre love story”

Ohrekreis Volkstimme 09.11.2004/Beate Hagen

Honey Baby was received by enthusiastic audience in Munich

"The magical-mysterious roadmovie Honey Baby by the Finnish director Mika Kaurismäki impressed the audience at its world premiere in Munich Film Festival in Saturday night. The sensitively directed film tells a love story between an unsuccesful musician (Henry Thomas) and a Russian girl (Irina Björklund), who escapes before getting married with a rich businessman from Germany back to her homeland.

The premiere of this co-production between Germany, Finland and Latvia opened the retrospective of the brothers Mika and Aki Kaurismäki, which is organised as a part of the festival, that started on Friday. The film will be released in cinemas later this year…"

Cordula Dieckman/27.06.2004/dpa, German Press Agency

Die tageszeitung 4.11.2004:

Orpheus im Schnee (von Daniel Wiese)
Die Nordischen Filmtage in Lübeck eröffnen mit "Honey Baby", dem großartigen mythologischen Roadmovie von Mika Kaurismäki. Liebe ist eine lange Fahrt ins Ungewisse, und manchmal muss man für sie hinabstiegen bis in die Unterwelt

Die Weite. Vielleicht ist es das. Das Auto - es ist eins dieser
ausgestorbenen, wunderschönen Citroen-Modelle, die aussehen wie riesige Sänften - fährt durch diese Weite, über endlose Landstraßen, über denen ein milchiger Himmel liegt. Manchmal kommen Städte, traurige Städte, mit sozialistischen Plattenbauten, in denen Menschen mit leeren Augen leben. Aber es ist dies ja ein trauriger Film, auch wenn er Honey Baby heißt. Im Sommer wurde Honey Baby schon einmal in München gezeigt, jetzt eröffnen mit ihm die Nordischen Filmtage. Da passt er noch besser hin. Nicht nur wegen der Himmelsrichtung, obwohl es den Helden tatsächlich immer nördlicher treibt, hinein in die eisigen Gegenden Kareliens. Es passt auch wegen der Stimmung. So klein, so ohnmächtig sind die Menschen in Honey Baby, dass man Angst um sie bekommt. Angst, sie könnten verloren gehen.

Es liegt in der Logik eines Roadmovies, dass man auch innerlich mit denen mitfährt, die da unterwegs sind. Die Flucht ist dem Genre eingeschrieben und damit auch die Bedrohung. So kommt die Geschichte überhaupt erst in Gang, zwingt die Menschen, sich wegzubewegen. Regisseur Mika Kaurismäki, der Bruder des großen Aki, erzählt aber noch eine andere Geschichte. Es ist die von Orpheus und Eurydike, und sie handelt vom Tod und der großen Liebe, die den Tod überwindet.

Und sie handelt von der Unterwelt und ihrem Gott, der in Honey Baby ein deutscher Geschäftsmann ist, den Helmut Berger spielt, aber das nur nebenbei. Am Ende des Films, in der Trostlosigkeit eines verschneiten russischen Nordens, wird Mika Kaurismäki grandiose Bilder für diesen Hades finden, mit überlebensgroßen, steinernen Türwächtern und einer endlosen Treppe, die der Held hinabsteigen muss.

Im Film ist der Hades ein Club, in dem sich russische Mädchen verkaufen, und der Orpheus, der Tom heißt und ein erfolgloser Sänger ist, wird sich hinstellen und singen, das Lied, das nur Eurydike kennt. Er steht da und singt, und seine Stimme hallt in dem riesigen, unterirdischen Bunker, zwischen den Wänden aus Beton. An diesem Nicht-Ort entscheidet sich ihre Liebe, die sie beide verraten haben.

Haben sie diese Liebe vedient? Was muss man tun, um Liebe zu verdienen? Dass Honey Baby diese Fragen überhaupt stellt, macht, dass er herausragt aus der Schar ähnlicher Roadmovies, die alle in den unbekannten Osten führen, in die postsozialistische Tristesse. Kaurismäki berauscht sich nicht daran. Die Motive, die er auf dem Weg vom ostdeutschen Halle in den russichen Norden (und auch den Süden, das Schwarze Meer) findet, spiegeln nur die innere Auflösung der beiden Figuren, die der Zufall zusammengeführt hat oder das Schicksal.

Orpheus und Eurydike, der Sänger Tom und die geflohene Braut Natascha verlieren ihr Herz, weil sie es behalten wollen. Honey Baby macht nichts anderes, als die Auwirkungen dieses Vorgangs zu untersuchen, jenseits jener albernen Paarfindungs-Dramaturgie, die mit der Hochzeit endet. Denn sie kennen sich nicht, und sie haben eine Geschichte.

Honey Baby stellt die Frage, ob Liebe möglich ist. Das ist schon mehr als genug."